“Butchers” e` una performance che nasce dalla scoperta casuale di un’etimologia, quella della danza popolare greca Hasapikos– tuttora diffusa e praticata – che letteralmente significa danza dei macellai. ”Butchers” vuole tentare di affondare radicalmente in questa etimologia che affida la danza ritmica ai macellai. Sottraendo ogni oggetto della pratica e ogni immagine dell’oggetto del taglio, cioè della carne, il lavoro intende concentrarsi su corpi che portano i segni di una pratica corporativa facendoli diventare esecutori della danza.

In un saggio breve ma dimenticato dagli studi accademici e tradizionali, il grecista e filologo Jesper Svenbro, ha analizzato le analogie tra il lessico della metrica nella poesia e i termini inerenti al campo semantico della macelleria sacrificale. Il ‘taglio’ è ciò che accomuna il gesto del sacerdote che fa a pezzi il corpo dell’animale sacrificato e il gesto del poeta che letteralmente fa a pezzi il corpo della parola per farne poesia: dunque secondo questa ipotesi la metrica in poesia ha un’origine organica e sacrificale e la sua scansione è ciò che nella trama del corpo del testo genera il ritmo.

“Butchers”vuole mettersi sulle tracce organiche di una pratica rituale e cercare nella pratica attuale del taglio della carne quel gesto remotissimo, riportando la danza ai macellai stessi, come nell’etimologia di Hasapikos, e cercando ciò che resta di quel gesto rituale.

Ciò che è inconsapevole per i macellai, perché interiorizzato nell`abitudine della pratica quotidiana, nel momento in cui si astrae prende maggiore coscienza e diventa materiale coreografico.

L’obiettivo di Butchers è infatti quello di estrarre e astrarre i gesti dalla pratica in sé isolandoli e enfatizzandone ritmo ed efficacia.

In questo progetto, la ricerca ritmica e timbrica si concentra maggiormente sulla materia del gesto e sulla ricerca in corpi già abitati e impressi da una pratica concreta come il taglio della carne e la macellazione. L’obiettivo è quello di estrarre e astrarre il gesto della pratica stessa e isolarlo per enfatizzarne il ritmo e l’efficacia come gesto.
Il performer si relaziona con un “fantasma”. Quanto cambia il ritmo e l’intensità di questo gesto nella sua ripetizione? E quanto è trasmissibile nel momento in cui viene codificato? Ciò che è inconscio perché interiorizzato nell’abitudine della pratica, nel momento in cui viene astratto, diventa più consapevole e diventa materiale coreografico.

In questo spettacolo contemporaneo e innovativo, Juana Casado fonde il flamenco con altre discipline e utilizza i potenti versi di Federico García Lorca per amplificare la forza espressiva del gesto e della voce. Un’esperienza intensa, dove ogni elemento è in perfetta armonia.

Ancora pochi conoscono le vere origini di Domenico Modugno. Ed è per questo che vale la pena recuperare la memoria del contesto storico e culturale nel quale il giovanissimo Mimmo nutrì la sua vena creativa: quel piccolo paese del Nord Salento che lasciò per andare a Roma e realizzare il suo sogno.

Uno spettacolo senza regia né prove. L’attore scopre il testo sul palco, insieme al pubblico: scritto nel 2010 dall’Iraniano Nassim Soleimanpour, è una riflessione metaforica sulla libertà, lontana da ogni dichiarazione politica. Un esperimento teatrale unico, tra sorpresa, coraggio e autenticità

Resistencia Arbórea è un grido e un canto. Un rito scenico che affonda le radici nella terra, nella memoria e nelle vene della tradizione flamenca per raccontare la lotta silenziosa e tenace degli alberi, simboli viventi di una resistenza che riguarda tutti noi.

Un dialogo intimo prende vita tra il ritmo del cajon e le melodie del pianoforte. Due strumenti che si intrecciano in un’unica trama sonora, per attraversare paesaggi interiori in continua evoluzione.

Carlotta Viscovo trasforma il corpo in spazio di resistenza e racconto, mentre uno scultore disegna o modella la creta ispirato da ciò che accade. Tra danza, parola e azione, i corpi diventano superfici su cui leggere tracce di lotte invisibili, ferite, strategie di sopravvivenza e desiderio di riscatto.

Una drammaturgia sonora in cuffia, accompagna i presenti tra tombe e lapidi, iscrizioni, polvere e ombre. Non una visita guidata, ma un tempo di ascolto per riflettere sui legami che uniscono le persone e la memoria. Racconti di vita e di morte.

SPETTACOLO A POSTI LIMITATI

INFORMAZIONI UTILI PER ASSISTERE A NEPHESH | Proteggere l’ombra

• Performance itinerante e all’aperto – Durata: circa 1 ora e 50 minuti circa.

• Punto di ritrovo e accoglienza: presentarsi almeno 15 minuti prima dell’inizio dell’evento, presso l’ingresso principale del Cimitero Monumentale di Lecce (ingresso principale). Una persona dello staff del festival vi accoglierà e fornirà indicazioni prima dell’inizio.

COSA PORTARE E COME PREPARARSI

• Scarpe comode e abbigliamento adeguato: il percorso si svolge su terreni misti, si consigliano scarpe adatte a camminare e un abbigliamento comodo, con particolare attenzione alla temperatura e al clima della stagione.

• In caso di pioggia: la performance avrà luogo anche con pioggia leggera (portate ombrelli o impermeabili). In caso di pioggia battente, la replica sarà annullata e gli spettatori verranno tempestivamente avvisati telefonicamente.

ALTRE INFORMAZIONI IMPORTANTI E CONTATTI

• Puntualità: l’esperienza inizia all’orario stabilito e non è possibile inserirsi a performance iniziata.

• Dispositivi audio: gli spettatori riceveranno cuffie e dispositivi per l’ascolto durante il percorso, quindi non è necessario portare nulla.

• Accessibilità: per informazioni su eventuali esigenze di mobilità, contattare il festival anticipatamente.

In Italia, il diabete di tipo 1 colpisce circa 300.000 persone, più di 1.000 nuovi casi in età pediatrica. Per dare voce a questa realtà, le parole di Clio Evans cercheranno una culla nella musica di Lele Spedicato, in uno studio artistico nato dall’urgenza di raccontare ciò che il diabete rappresenta oltre la diagnosi: un mondo fatto di emozioni, scelte e resistenza.

Basata sull’omonimo libro di M. V. Montalbán, Recettes Immorales esplora i confini tra etica e desiderio attraverso ricette immaginarie, poetiche e provocatorie. Brigitte Cirla e Sébastien Béranger invitano il pubblico a riflettere sul potere del gusto come metafora di scelte morali e libertà interiore.

SPETTACOLO A POSTI LIMITATI