Per un teatro come koreja, che vive dello studio dei poeti e lavora ispirando la propria ricerca alle figure dei maestri della letteratura, ricordare nel mese di settembre l’anniversario del settecentesimo anno della morte del poeta Dante non è una ricorrenza da calendario, ma un momento di studio per continuare ad essere teatro di impegno e di confronto con la grande crisi;  un teatro aperto agli interrogativi sociali e culturali del nuovo futuro. Il teatro è la casa dei poeti ed è nato per dare tempo e spazio alla loro voce. Perciò il teatro è luogo di incontro, di partecipazione di ascolto. Dante Alighieri ha studiato l’uomo, le sue debolezze, le paure e i dubbi, la lotta contro il male e il bisogno di avere aiuto, di essere accompagnato nella vita da un maestro per superare quel difficile percorso nel bel mezzo della vita della “selva oscura”. La Divina Commedia è lo specchio della storia dell’uomo nella società senza tempo. In Dante Alighieri la parola si carica di significato e diventa visione. L’immaginazione invece diventa forza e disegna conoscenza, genera ascolto, origina partecipazione. Il sommo poeta, Dante, è senza tempo, il suo ruolo nel teatro è sempre vivo, sempre attuale

Nella splendida cornice dell’ex Convento dei Teatini, dove basta il
solo sguardo per saziarsi di elegante bellezza, le parole acquistano nuovi
significati. Lo scrittore Stefano Massini nella tiepida serata estiva dell’8
Agosto 2020, nell’ambito del Teatro dei Luoghi fest, ci regala un momento di
riflessione sull’uso, l’abuso e la necessità delle parole, come immediata
possibilità di comunicazione, momento di conoscenza e analisi. Ma oggi, abbiamo
acquisito gli strumenti necessari per comprendere il profondo significato delle
parole?

La verità, perché è da questa parola che parte il primo racconto, è che spesso ci appropriamo della verità, la manipoliamo come plastilina e la trasformiamo nella nostra verità. Così il fatto narrato è alterato, imbellettato, in un fiorire di dettagli tutti nuovi  e inaspettati. Il “ Dizionario Inesistente” si arricchisce via via di nuove parole, tutte coniate dall’autore, perché a lui basta leggere un fatto di cronaca per inventarne una. Un modo spiritoso per non essere ripetitivi, logorroici o noiosi… piuttosto rivoluzionari.

Perché è con le parole che i politici rabboniscono le masse e i poeti rapiscono i cuori… Ecco quindi l’importanza di non farsi manipolare da esse, saperle usare,  e soprattutto conoscerle partendo dalla loro etimologia. Lo scrittore Massini  parla in modo semplice e complesso, utilizzando il fine doppio linguaggio shakespeariano, colto e raffinato, crudo e diretto. Pochi gli elementi in scena: un tavolo in ferro nero e una sedia coordinata con schienale color rosso. Il “ narrattore” Stefano… credo abbia infettato tutti di “ massinite “ cioè quella continua voglia di giocare, come i bambini con i castelli di sabbia,  con le parole…

*Progetto GIOVANI SGUARDI

Annarita Risola è studentessa Corso di Laurea DAMS e Socia fondatrice
Palchetti Laterali Università del Salento

«Perché ha scelto questo
strumento?».

«È sempre stato strano e curioso il modo in cui sono arrivata al violoncello. Iniziai a 4 anni con il pianoforte, ma a casa lo suonavano tutti… mamma, papà e mia sorella Beatrice! Che barba (aggiunge uno smile ndr). Espressi ai miei genitori il desiderio di cambiare strumento e loro mi proposero la scelta tra il flauto e il violoncello. Avevo 5 anni e non avevo idea di quale fossero le differenze tra un flauto e un violoncello, poi.. magicamente durante l’estate ci fu un concerto a Gallipoli; ricordo il caldo micidiale, l’umidità tipica salentina ed in programma a Gallipoli quella sera del lontano 2001 c’era il Concerto in Do Maggiore di Haydn suonato dal mitico Enrico Dindo (poi diventato mio insegnante molto dopo). Rimasi incantata e a quel punto non ebbi dubbi.. volevo suonare quello strumento meraviglioso che mi faceva letteralmente sognare..!».

 «Quante ore di studio
dedica al suo strumento?».

«Difficile dire adesso quanto tempo riesci a studiare.. Prima, quando avevo l’opportunità di studiare esclusivamente violoncello, forse non ero cosciente di quanta fortuna avessi! Dopo aver finito il Liceo, gli anni a seguire erano interamente dedicati alla mia formazione come violoncellista e come musicista. Seguivo le lezioni del Master a Lugano e successivamente a Ginevra e non mi rendevo conto di quanto poi, fortunatamente, le cose sarebbero cambiate iniziando ad avere una carriera come musicista e insegnante. Adesso il tempo non è mai abbastanza e ci sono tante priorità e impegni, ma studiare violoncello è la mia prima azione ogni giorno!».

«A cosa ha dovuto rinunciare?».

«Inevitabilmente
lo studio di uno strumento musicale ti mette davanti a difficoltà che si
superano soltanto trascorrendo ore e ore a tu per tu con lo strumento,
necessariamente in solitudine. Forse sono tantissime le rinunce che in questi
anni ho compiuto, alcune sofferte, alcune meno, ma sempre giustificate
dall’esigenza primaria di quello che essere musicista richiede».

«Cosa significa fare musica
classica oggi?».

«Essere una
musicista classica è una sfida complicata in un mondo che si evolve alla
velocità della luce e che si allontana dalla nostra realtà che appare sospesa
nel tempo e nello spazio. Pretendiamo e proteggiamo con grandissimo ardore dei
valori lontani centinaia di anni, capolavori che si alimentano dell’anima dei
musicisti e che trovano sempre giustificazione anche in un periodo storico in
cui la bellezza deve essere protetta con estrema cura. Fare musica classica è
un’opportunità di avere accesso ad emozioni immortali e riuscire ad avvicinare
il pubblico e farlo appassionare usando uno strumento composto con legno di
acero e abete è pura magia».

«Quali
sono i suoi obiettivi?».

«Sono giovane e
come qualsiasi essere umano che guardando il cielo si sente grato, ho mille
sogni e altrettanti desideri e obiettivi, alcuni fattibili (spero), altri meno!
Come musicista spero di avere la fortuna di non smettere mai di amare ed
emozionarmi con il mio lavoro e di poter realizzare nel territorio un micro mondo
dedicato agli strumenti ad arco, miei grandi amori!».

«Attualmente il territorio
Salento cosa offre alla Musica Classica?».

«Attualmente il
territorio salentino offre tanto alla musica classica grazie ad alcune realtà
culturali che lo desiderano fortemente. Ho la fortuna di poter curare assieme
alla mia famiglia una stagione, Sfere Sonore, un piccolo gioiellino
arrivato alla II Edizione, che spero che con il tempo possa diventare quello
che sogniamo. Quest’anno inoltre anche questo meraviglioso Teatro, Il Teatro
Koreja ha aperto le porte alla musica classica dando
un’ulteriore possibilità al territorio di arricchirsi e sono stata davvero
onorata di aver avuto la possibilità di organizzare una serie di 4 eventi con
giovani di spicco che si stanno affermano nel mondo musicale».

«Cosa sta facendo la Musica
Classica per promuovere e far crescere il Salento?».

«Indubbiamente
le bellezze del Salento sono tra le più autentiche in Italia, e qualsiasi
turista rimane affascinato dalla quantità di ricchezza culturale e
naturalistica presente. Purtroppo, temo che la musica classica non abbia lo
spazio che merita di avere perché purtroppo molte realtà culturali con storia
decennale hanno dovuto chiudere i battenti lasciando un vuoto che non è stato
ancora colmato. Ci sono teatri vuoti che aspettano di poter essere riempiti, e
non da concerti pop/rock».

«Da cosa si riconosce il
talento?».

«Difficile
spiegarlo, è un dono probabilmente. È anche però la possibilità di poterlo
scoprire e poterlo approfondire. Assieme a mia sorella Beatrice abbiamo avuto
la possibilità di studiare musica perché nate in una famiglia di musicisti, e
abbiamo iniziato da subito a studiare uno strumento musicale e scoprirci
portate. Riconoscere il talento in qualcuno è accorgersi della naturale
istintività nell’approccio in questo caso alla musica e allo strumento usato dal
musicista. Insegnando violoncello a molti bambini mi sono accorta di come sia
evidente da subito la naturale predisposizione o meno nei confronti del
violoncello da parte di alcuni ed è incredibile poterlo constatare con
tanta facilità».

. 

«Come vive questo preciso
momento storico Ludovica Rana?».

«Questo momento è difficile per tutti, la quarantena! Drammatico parlarne ma sicuramente un momento di arresto forzato e di riflessione obbligata. Dalla vita frenetica e instancabile ci siamo ritrovati tutti immobilizzati da una pandemia che mai nessuno avrebbe potuto immaginare accadesse. Teatri chiusi, concerti annullati e tanto tanto tempo da passare a casa come non succedeva da anni!  Tra un puzzle e un impasto di torta, violoncello ha sempre un ruolo primario ma sto riscoprendo un modo di vivere che non avevo mai sperimentato, e non è detto che sia negativo. Probabilmente ognuno di noi porterà qualcosa di positivo ed edificante con sé quando avremo di nuovo la possibilità di ritornare alla nostra “vecchia” vita che sicuramente non sarà la stessa. Non posso non pensare a come sarà la ripresa dell’attività dello spettacolo, dovremo saperci reinventare musicisti e organizzatori di concerti? Quali saranno i danni economici e sociali di questo momento? Tanti interrogativi e poche certezze a cui spero potremo tutti sopravvivere».

*Progetto GIOVANI SGUARDI

Annarita Risola è studentessa Corso di Laurea DAMS e Socia fondatrice
Palchetti Laterali Università del Salento

Un viaggio lungo quanto basta per lasciare una traccia indelebile nella storia della canzone folk, fatta di racconti intrisi di sangue e di violenza, di sconfitte ed umiliazioni. Emozioni che hanno conquistato le persone comuni, che in quelle storie si sono rispecchiate e riconosciute e destato l’attenzione di artisti, come Dario Fo’, che in quelle parole hanno trovato un profondo significato politico. Ma quanto influisce il contesto socio-politico e familiare  sulla formazione di una persona? Rosa Balistreri, la vera protagonista dello spettacolo, nasce a Licata, la città che Giuseppe Peritore nel suo libro, sin dal titolo, definirà: “Licata, città rivoluzionaria”, evidenziando il carattere di una comunità considerata da un lato conservatrice e dall’ altra rivoluzionaria.

Rosa nasce in una famiglia povera e da subito desidera dare il suo contributo. Lo fa utilizzando quello che comprende, essere il suo talento:  cantare. Non ha una bella voce, ma una grande capacità interpretativa, lo fa col cuore. Canta ai matrimoni , alle feste e tutte le volte che ne ha la possibilità, con la complicità della madre e con la paura di essere scoperta dal padre, che da padre- padrone qual è, preferisce saperla sempre a casa. E mentre il 9 luglio del 1943, a Licata sbarcavano gli alleati americani per liberare il popolo italiano dalla oppressione nazi-fascista, lei,  che aveva solo sedici anni, era data in sposa ad un uomo più grande, che non amava affatto. La trama narrativa dello spettacolo è fitta e dettagliata, tutto raccontato nei minimi dettagli e con una tecnica che rievoca il teatro di Eugenio Barba, quello che non fa entrare in empatia con l’attore ma fa pensare e ragionare sui contenuti, più che sulla forma. Poi, l’intensità dello sguardo dell’attrice Angela De Gaetano, autrice anche del testo e la forza interpretativa della cantante Ninfa Giannuzzi, ne sottolineano  la drammaticità. Rosa, rose, una storia che attraversa il percorso privato e pubblico di una donna del Sud.  Una buona occasione  per riflettere e parlare di violenza, di degrado, di miseria, ma anche di forza, di tenacia e di libertà. Quella libertà, che in questo preciso momento storico, attraverso le parole, il teatro ci permette ancora di esprimere. Una libertà di spine e di petali…proprio come le rose.

Il 20 giugno, col solstizio d’estate, comincia la stagione della luce, del tramonto del sole sul mare, della linea sull’ azzurro del lungo orizzonte e nello sguardo il desiderio di più infinito. L’estate è il tempo degli incontri, nei cortili, sui terrazzi nelle corti. Le notti nella città, nei borghi sono piene di storie, di parole, di incontri inaspettati che risvegliano la memoria degli affetti nei nostri paesi di ritorno. Il teatro dei luoghi è il tetro delle piazze, dei borghi e dei cortili. È il teatro che si espande, che porta la sua forza fuori, nei luoghi, dove le persone vivono raccontandosi e scoprendosi essere comunità, di non avere paura dei volti e degli occhi festosi per essersi incontrati dopo lunga assenza. Il tetro dei luoghi è ripartenza, è la fine dello slogan “tutti a casa” che è stato di successo. Ora bisogna fare chiarezza anche sul significato delle parole a partire da quella impropria e sbagliata: “distanza sociale”. La parola sociale è entrata nel vocabolario d’Europa dopo la Rivoluzione francese, nel 1800, e indicava un modello di relazioni fra le persone e la presa in carica dello stato il quale si impegnava a rispondere sui bisogni sociali delle classi più deboli, nasceva il welfare sociale. I IPCM del Presidente Giuseppe Conte, di fatto hanno commissariato la parola “distanza sociale” negando il suo valore e riducendola ad un imperio amministrativo di competenza prefettizia, forzando la legge e scavalcando il Parlamento. Il teatro dei luoghi mette fine al commissariamento della parola “distanza sociale” e la riporta al suo vero significato di relazione, di incontro, di condivisione, di convivialità fra generazione e cultura. Le notti d’estate, nel piatto e nel bicchiere sono tempo di allegria sociale, voglia di raccontarsi. Il teatro nelle piazze, nei cortili e nei borghi, racconta e risveglia l’incontro con le parole, con la musica la terra che resiste e non muore mai. Il teatro è nato per impedire l’oblio dei volti e dei luoghi della tua terra.

Nei campi profughi sull’ isola Lesbo, d’avanti alla Grecia, alle porte dell’Europa i bambini si suicidano perché il campo profughi è un lager, un inferno contro il male, l’odio, più ancora il disprezzo della vita verso la persona. Il suicidio dei bambini, è la morte degli innocenti, morti non della guerra, ma dell’odio del disprezzo del diverso, dell’egoismo, della difesa, degli interessi del portafoglio contro la vita. Il loro è un sangue innocente che non trova neanche il conforto della narrazione nella storia. La loro vita scompare dalla memoria e non lascia traccia. È una vergogna della politica che ha scritto le convenzioni e non ha avuto la capacità di rispettarle per tutelare la vita dei deboli senza casa e senza terra. Il teatro lotta contro l’indifferenza, deve far sentire forte la sua voce per rifiutare il male e dare la parola alla giustizia. I bambini sono il futuro, il teatro è la palestra del pensiero che pensa il futuro. Non bisogna voltare le spalle al dolore e bisogna avere coraggio negli occhi per vedere la tragedia. Il teatro è una casa speciale perché ha l’onore di usare la parola dei poeti per raccontare la morte degli innocenti, dei morti senza nome che non hanno posto nelle pagine della storia.

Il tema dei profughi, nell’agenda politica e nelle relazioni internazionali dei paesi, è quello irrisolto e manca l’applicazione delle convenzioni internazionali dei diritti, a partire dalla convenzione di Ginevra.

I numeri

I profughi, dal 2010 al 2020, sono raddoppiati raggiungendo gli 80 milioni: la popolazione di un grande Paese. Le cause sono molte e diversificate: dalla povertà al lavoro di schiavitù; dall’indigenza sociale alla mancanza di cure; dall’analfabetismo alla negazione dell’istruzione. Interi villaggi abbandonano la terra e scappano, dalla fame, dalla guerra sfidano le notti perché i cieli delle loro notti sono senza storia, i profughi per i trafficanti di persone sono merce. Nel suo libro “Pescatori di uomini” Nello Scavo, giornalista di Avvenire, documenta questa vergogna internazionale del traffico di essere umani.

La situazione odierna

Oggi la partenza avviene dalle coste libiche. I profughi sono sequestrati nei lager, violentati e obbligati a pagare, le donne invece sono stuprate. L’Italia finanzia l’inferno disumano della Libia, fornisce motovedette per controllare in mare le partenze e finanzia la mafia libica. Sono i capi a decidere, chi deve partire e chi deve restare e continuare a pagare.

La gestione delle partenze è sporca. I trafficanti mettono in mare tre quattro barconi di legno insicuri; quando sono in mare aperto due, tre li abbandonano, un solo barcone lo portano indietro per far vedere all’Italia il loro compito di controllare sul mare le partenze giustificandosi il merito dei finanziamenti. È un gioco di soldi e di morti che nessuno nel nostro paese vuole vedere a partire dal governo. Nel mare c’è l’obbligo di aiutare chi è in pericolo di morte. È un diritto questo nato con la storia dell’uomo, in passato sotto le leggi degli dei, nei tempi moderni sotto la tutela delle convenzioni internazionali dei diritti umani.

Giornata mondiale del Profugo, in conclusione

Davanti al nostro egoismo di rifiutare i poveri profughi, di sentirli nostri avversari, venuti a rubare la ricchezza e i nostri privilegi, la civiltà dei diritti è miseramente caduta e le convenzioni servono solo per scrivere le pagine dei libri di storia del diritto internazionale. L’ ingiustizia è la miseria nel mondo, dobbiamo sentirci tutti colpevoli.

Leggi anche: Giornata internazionale del clima

15 Giugno e sono ancora Koreja, con tanta voglia di essere un teatro normale. Finalmente è la fine, un ritorno, l’inizio di un nuovo tempo, la fine del tempo sospeso. E’un incontro con la città e con la comunità che vive del teatro e si riconosce in esso. Koreja ritorna: spazio pubblico, teatro pubblico, sociale, spazio della parola, dell’ascolto, del sentire il respiro del tempo della creatività che, segna il cuore e riempie la mente. Koreja ritorna nella fatica del tempo, nel calendario della città. Il Teatro è stato chiuso, non è stato fermo, è stato resistenza. Un antico proverbio cinese recita: “Il cielo è senza rumori e senza odori”. Essere padroni del destino significa controllare il tempo della morte. Se si è senza forma e senza rumori, i nostri movimenti e le nostre intenzioni saranno invisibili al nemico. Se sincronizziamo le nostre azioni con i processi naturali, la nostra forza sarà inarrestabile. Il teatro non è indifferenza al tempo, ma consapevolezza di essere resistenza, di essere nato per educare e per conoscere l’uomo. Il “tempo ora” nella storia è quello della sfida. È quello di liberare “la distanza sociale” dal suo falso significato. È infatti una parola sbagliata e malata che disorienta il vivere e latitare la città. La sfida del presente è quella di trovare un nuovo “alfabeto” e una grammatica che non neghi all ’uomo, la sua natura sociale. Bisogna imparare dalle piante: avere pazienza e non avere fretta per la conoscenza. Le piante conoscono la sapienza del giorno e vivono della sua luce e rispondono alle avversità con i fiori. Il fiore non teme il cielo, lo riempie di profumi e di colori, lo fa diventare più bello! Koreja ritorna per continuare la corsa e attraversare le fatiche della sfida, col cervo bianco, con le corna fiorite. Ritorna per portare nei campi i semi della creatività del futuro. Il teatro è nato: per sognare, per conoscere, per resistere e lottare, per portare un fiore nel cuore. Il ritorno di Koreja comincia da qui: incontrandoci nel desiderio di essere normali.

Nella poesia la nostra cura, nelle parole la salute del
pensiero

“io mi trovo il vecchio cuore, e pago

il tributo ad esso, con lacrime

ricacciate, odiate, e nella bocca

le parole della bandiera rossa,

le parole che ogni uomo sa, e sa far tacere”

Poesia di Pierpaolo Pasolini (Garzanti Milano 1964).

Ricorre oggi la giornata internazionale dedicata al clima. Per noi è una giornata particolare di riflessione, di ricerca per trovare un modo per costruire un’alleanza che porti a trovare un nuovo Umanesimo. Il teatro e i musei, i poeti e gli architetti, la scuola e l’ecologia sono le agenzie culturali che possono indicare un nuovo alfabeto per abitare e vivere la città. L’Umanesimo, nel passato, ebbe la forza di liberare l’uomo dall’ oscurità, di guidarlo al nuovo pensiero e, soprattutto, di rafforzare la fiducia delle sue capacità. Il nuovo Umanesimo dovrebbe continuare la pedagogia del vecchio, per questo serve una strada nuova di riflessione su come vivere e usare la cultura in tutte le sue manifestazioni e in tutti i suoi linguaggi. Dobbiamo, quindi, rispondere a come costruire la distanza sociale attraverso un nuovo modo di vivere i rapporti; in particolare ragionare su come l’uomo possa trovare la strada per superare la maschera che ha segnato la crisi dei rapporti e ha messo in discussione gli spazi sociali come il teatro, il museo, la scuola e, in generale, la città. Chi pianta un albero, salva la Terra.

Guido Piovene, descrivendo la città di Lecce, affermava
che è da considerare L’Athene, Capitale del Barocco nel Mediterraneo.

Nel lontanissimo passato il linguaggio figurativo era quello più accessibile alla conoscenza perché utilizzava molto la percezione e meno il logos e, quindi, era più facile alla comprensione del popolo. Nei tempi lontani le arti figurative, la letteratura e la musica non erano discipline ma linguaggi, ricerca della storia e della conoscenza dei popoli. Erano la narrazione dell’Atlante delle imprese di gloria. Il teatro e il museo, quindi, non sono luoghi separati, ma uniti; sono due finestre aperte sulla creatività che, con l’immaginazione, porta la realtà nel teatro e la trasforma in arte. Il vaso di Arianna rappresenta l’angoscia e la sofferenza del pensiero dei nostri giorni, disarmato ed incapace di prefigurare il futuro. La mano di Dionisio sulla spalla di Arianna conferma la necessità e la validità del mito ed enuncia l’insufficienza di una società che oltre ad aver perso i valori, ha perso anche un dio. Il dramma, la sofferenza, l’inadeguatezza del pensiero fa emergere con forza il corpo, il genere femminile perché, nel genere femminile, continua ancora a nascere il fiore, cioè la vita. Nei gesti raffigurati c’è tutta la contemporaneità dell’interpretazione dei vasi, che trova nuova vita nel linguaggio del Teatro.

Oggi abbiamo iniziato un modo nuovo di vivere il museo
perché congiungendo la forza delle parole alla forza delle immagini. Le
immagini mute dicono nulla, le parole vuote rendono difficile la conoscenza.